El Porqué de mis pinturas…

No hay arte sin intención, todos necesitamos expresar lo retenido de alguna forma; el ser que tenemos dentro ese ser, que sin duda solo se puede expresar a través del arte. Una raya con un tizón marcado en la pared hecha con intención puede llegar a ser, o puede ser una obra dependiendo desde el punto en que se le mire. La mano deja en si una huella un signo una alegoría; un proceso que comienza con un acto y se resuelve en un objetivo lleno de sentido y significado. En ocasiones, ese acto parece como un impulso como un estimulo que sale desde lo mas interno de nuestro ser; un estimulo que exige primero su resolución en el campo perceptual y luego en el espacio y representación de uno mismo, un modo de de producción para convertir tal impulso en un ‘ Objeto artístico’ que pueda ser apreciado por todos; la intención, la percepción, la sensibilidad y la memoria son los principales factores con los que puedo llevar a cabo un trabajo; todo lo que pueda hacer con intención es válido para todo el aspecto artístico.

El color es una creación subjetiva, no está en las cosas ni en los agentes intermediarios y como tal la composición cromática de una obra de arte es el resultado de una astuta combinación de colores, de colores subjetivos, en donde el artista es quien da vida gracias a su inspiración y a su técnica, al color experimental; el arte tiene su nota en la intención. No hay arte sin intención, no hay arte porque si. Hay arte porque la necesidad que surge de adentro de mi ser la necesito expresar con alguna idea o con alguna vivencia, o quizás con un proyecto, es necesario sacarla a través de un signo, un símbolo, la creación se desencadena a partir de una vivencia de un estimulo que lo provoca la circunstancias la vida misma. En otras palabras comienza con determinado registro cenestésico la creación también es provocada al mismo tiempo por el afecto.

El estimulo es poderoso los factores emotivos sensorial, se sintetizan a través de la imágenes en el espacio, cuya carga psíquica pide resolución en el campo estético… Por eso la elección de los materiales adecuados para la realización de una obra, todo trabajo artístico tiene en si técnicas, reglas y procedimientos artísticos, estos a su vez Poseen leyes de armonía y ritmos, en suma de criterios y teorías estéticas, estudiadas bajo conceptos elaborados por distintas escuelas que si bien son más que interesantes acompañan y ayudan al proceso creativo y a la sensibilidad del creador de la obra; en todo proceso creativo exteriorizamos la belleza, la belleza aparece el registro de un goce a veces excepcional a veces sugestivo, a veces asombroso lleno de calidad y percepción acompañado también de mensajes concomitantes, cuando se ha elaborado un trabajo y este contiene carga de sensibilidad el observador sensitivo se conmociona se sorprende y se modifica siendo el observador el receptor de tal mensaje.

La sensibilidad, es por lo tanto uno de los factores básicos en los que se asienta la obra de arte; si algo nos diferencia de los otros seres humanos es que si todos tenemos sensibilidad el artista posee la suerte de hipersensibilidad para registrar las variaciones de los tonos y contrastes que se presentan instantes tras instantes solo detectamos las pulsiones y señales que provienen tanto del paisaje interno como del paisaje externo y obviamente del paisaje humano, cuando uno se replantea al receptor el desafío de reconfigurar nuevas vivencias expresadas en objetos portadores de tensiones sufrimientos y goce; estos busca enunciarse fuera de si, en espacios extendidos y no sólo eso, sino que el desafío de la obra se extiende que tal manifestación artística pueda sensibilizar un conjunto, la obra es trascendental, no es un producto para si mismo sino para otros y quiere resolverse estéticamente, en un ámbito colectivo a veces es tan fuerte la carga del mensaje que esta intenta diluirse integrarse y hasta puede modificar horizontes ínter subjetivos, amplios, complejos y profundos.

Sin duda opino que la memoria en cuanto a plataforma esta permite también saltar con libertad al vacío de lo que vendrá en una obra que aún no tiene nombre, pero que esta lista a mostrarse, resplandeciente e inacabada surge como impulso, surge como necesidad renovadora que busca configurar y traducir sin gran limites, el gran mito, la gran epopeya del futuro.

Siempre se ha pensado que el arte sin proyección social no tiene sentido, y que el sentido del mensaje que contiene la obra es justamente el goce compartido con otros, que su mensaje estético necesita ser siempre legitimado. Personalmente pienso que la obra de arte surge con el mandato de alumbrar su comprensión colectiva en el horizonte ínter subjetivo y que se confirma como tal y enriquece al mundo con nuevas señales ya sea con facetas delicadas o brutales que permitan alumbrar tiempos venideros y también esclarecer tiempos presentes o pasados, el arte es trascendente y transformador para decirlo desde una perspectiva y siendo la conciencia en general de un artista quien lo lleve a cabo...

Hace algunas semanas estuve en el Táchira, por los pueblos andinos, aproveche mi estancia para indagar sobre mi trabajo pictórico; pude constatar lo antes ya pensado lo que mi mente y mi trabajo han reflejado por si solos, no hago comentarios verbales del mismo, son solo influencias de mi propia tierra.

En la vía se apreciaban áreas de cultivos, la transformación de la tierra llevada hacia los más hermosos paisajes de siembra, tal cual transformada en maravilla exquisita intervenida por la mano del hombre. Las extensiones de tierra divididas por líneas entrecortadas; colores que se transforman en el espacio montañoso. Es espectacular como la vista se sensibiliza cada vez que pasa por los andes venezolanos. Ahí el tiempo es reflejado día a día por el crecimiento de las plantas, de los organismos vivos de ahí vienen las visiones posiblemente de mi trabajo, del mismo hombre, de la misma naturaleza, del rió y su constante fluir, del sol tibio que se posa en mi cuerpo cuando el tiempo juega su devenir en esas tierras que identifican... La búsqueda de las formas en mis trabajos es producida por mis recuerdos, los recuerdos de mi tierra, La Grita dónde nací, inmensas hectáreas, espacios de la tierra sembrada, la geometría que presenta la agricultura y el tiempo que se requiere para que todo se desarrolle.

La condición para apreciar mi obra mi obra, puede plantearse romántica, se basa en repeticiones de las visiones. Internamente muchos eventos se repiten en mi vida y eso mismo se ve reflejado en mi trabajo; el reloj que pauta el tiempo con diferentes transformaciones, en el he llevado el color a estas obras, para darle un punto de vista mas critico, firme, lleno de atractivo femenino. Aún recuerdo las palabras de mi primer maestro de historia del arte su nombre es Reinaldo Pérez Só quien con su poesía y filosofía me enamoraron mucho más de mi mundo creador... dentro de mi ser puedo distinguir perfectamente mi espectro emocional, entre la expresión visceral derivada de los celos, la posesión o el odio, de una intuición extática o mística, que porta una sensación de vuelo, de gracia o de frescura, evidente que sin emociones y memoria no existe el arte, ni procedimientos, ni obra, ni poesía. Mi memoria clave de mi bóveda de mi acto creador ella que me permite la revelación de mi propio ser.

El arte es una actividad obviamente relacionada con la creatividad del ser humano y particularmente con el ámbito de lo estético. Es una actividad que tiene que ver con distintos factores como son la intención, la percepción, la sensibilidad, la memoria. Como tales factores configuran condiciones indispensables que hacen posible el arte, vale la pena considerar cada uno de ellos por separado, advirtiendo que analizo también el punto de vista y el marco de creencias a partir del cual hago el desarrollo.

Si hablo de la sensibilidad, advierto que toda percepción esta también ligada a una ponderación emotiva; orientado a lo onírico, estos trabajos están cargados de emociones, hago una abstracción de mis sueños cargados de una vivencia temporal que solo se da en mi inconsciente al mismo tiempo, el estímulo es poderoso, tales factores: lo sensorial y lo emotivo, se sintetizan y se expresan a través de imágenes en el espacio de sueños fantasiosos.

Si bien el desarrollo psicológico-estructural del estímulo puede ser descrito con claridad, lo que no esta tan claro es como la obra, en cuanto objeto del mundo, lleva en sí la original carga emocional del artista, la vivencia intencional estéticamente configurada que se contagia a otros como un nuevo estímulo. Aquí se encuentra operando la magia del creador, el ‘ toque maestro’ que es indefinible. Porque, ¿quién podría describir cómo se hace realmente? Es por eso la importancia de estudiar artistas consagrados como Kandinsky, Fernán Leger, Poliakoff, Jasper Johns, Alejandro Otero, Francisco Hung, entre otros artistas que no señalare en este momento, brevemente are una pequeña reseña de la obra de cada uno de los artistas que tienen cierto vinculo con mi obras ya realizadas hasta los momentos y que me han servido de soporte para la búsqueda de mi proceso creativo... Kandinsky soñador y romántico en él se denota una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad, tuvo varios procesos antes de llegar al abstraccionismo geométrico, y a un interés por las ciencias, en el momento que se tantea su definitivo camino a la abstracción y escribe de lo espiritual en el arte publicado en 1911, en el estallido de la primera guerra mundial en 1914 se regresa a Rusia, donde la revolución de 1917 promueve sus obras artísticas más activas y singulares del siglo XX. En su madures sus trabajos artísticos son más evidentes, las manchas más oscuras, predominan dos colores, el rojo y el azul, estos están relacionados porque siempre están juntos el rojo es calido y tiende a expandirse, el azul es frío y tiende a contraerse, Kandinsky no aplica la ley de los contrastes simultáneos sino que la comprueba. Poliakoff era un joven de familia acomodada a quien le gustaba frecuentar junto con sus hermanas frecuentaba salones literarios y alternaba la aristocracia rusa, él se inicio en el canto y le gustaba tocar la guitarra, durante la revolución fue obligado a correr a Europa dónde se gana la vida tocando guitarra él se establece en Paris y para el año 1929 comenzó a trabajar la pintura las cuales están desaparecidos y fueron fruto de su academicismo, él conoció muchos artistas y su estancia en Londres fue bastante fructífera, se dejo guiar por el gusto del color, él abandona progresivamente la línea y el circulo, únicamente la textura y el color refinado suscitan el espacio, organizado una serie de rompecabezas de formas sutilmente angulosas. El rigor de la última fase de su evolución hace pensar en algunos aspectos de la abstracción minimal. Sin embargo, Poliakoff difería profundamente de este movimiento, pues tenia una sensibilidad sutil; además, su concepción del arte se basaba en el apoyo en un acceso interior en perpetuo desplazamientoJasper Jhons celoso reservado con su intimidad, antes de su consagración artística, se crió con sus tíos y abuelos, estudio en una escuela de arte comercial también se incorporo al ejercito se le destino al Japón donde permaneció hasta el 1952 tuvo influencia Japonesa en algunas obras posteriores, Jhons pinta su primera bandera americana en un panel blanco totalmente dominado por la evidencia de barras y estrellas, la textura, matérica y de notable calidades táctiles, es fruto de una peculiar técnica – la encáustica o la pintura al encausto. Jhons rescata la antigüedad clásica y consiste en diluir pigmentos en cera caliente. Este procedimiento está muy unido a la obra del pintor. También aparece en sus obras las dianas, los números, años más tarde añaden objetos materialmente a los lienzos estos objetos añadidos a sus cuadros se integran siempre en un marco de relaciones esencialmente pictóricas principios de textura y contraste de color. La producción de Johns está dominada por las banderas, dianas, números y alfabetos hasta los años setenta, aunque de hecho nunca los abandona del todo, luego aparece los flagtones, las grandes superficies totalmente cubiertas de crosshatching, tramas de trazos de color distribuidos en series paralelas que se superponen en ínterpenetran, como un cañamazo o un tejido vistos desde cerca; en ese tiempo Jhons estuvo muy cercano a la abstracción absoluta. En sus últimos años volvió a incorporar imágenes a su pintura, él fue uno de los artistas más prestigiosos en la segunda mitad del siglo. Alejandro Otero, Francisco Hung, no son tan relevantes en mi pintura ni mi proposición de trabajo sin embargo como plantean sus investigaciones y sus propuestas; sus observaciones para entrarse más al espacio son las que me llevan a indagar en sus trabajos artísticos y la forma que se expresan al público.

El artista no debe limitarse a la hora de crear un trabajo, todo lo contrario debe dejar volar su imaginación y sacar toda esa pasión que desborda de su ser, quedar en libertad para rebuscar, retomar, reinterpretar y refundir parcelas de la historia como si se tratara de antiguos filones. Puesto que las posibilidades de innovar quedan limitadas, el artista dispone del recurso el discurso de la historia para permitirse obtener la ilusión de que maneja un lenguaje nuevo. Nunca se podrá ser tan enteramente original como para suponer que la originalidad puede seguir siendo móvil del progreso artístico. Así reflexiona el artista de hoy día. Como vivencia personal he retomado planteamientos de otras épocas sin la menor justificación y sin entrar en su análisis... este año ha sido diferente ha sido un verdadero año de trabajo no quiero decir que los años anteriores no me hayan dejado algún conocimiento pero en el lapso de tiempo di un esfuerzo evolutivo en cuanto al trabajo de pintura, la importancia de conocer y preparar uno mismo los materiales fundamentales en la realización una obra te deja como manifiesto lo esencial que es desarrollar tu trabajo a partir de los materiales que uno mismo prepara, el vinculo entre la obra y uno es más fuerte y no me siento limitada ante este oficio, he desarrollado aún más el dominio del espacio y la técnica, que son características importantes en mi pintura como resultado a lo anterior mencionado este año ha sido muy productivo y fructífero y como todo proceso tiene su continuación esto es solo el impulso para continuar la transición de mi obra y mi ser...

Foto Uno: Con Geczain Tovar -Fotografo

Foto Dos: Con Luisa Souto Artista Plástico

Foto Tres: Con Yaritza Azuaje Artista Plástico

Biografía

Ana yudith nació en Venezuela 22 de marzo de 1979 en el Pueblo de la Grita- Venezuela. Es la primera hija de tres hermanas, su padre Alfonzo Hernández Colombiano de profesión Latonero y su madre Ana Maura Ramírez de profesión Enfermera. En los primeros 7 años Ana yudith trascurrió entre alegrías y llantos, ella aprendió de su padre la restauración de objetos. Tras el divorcio de los padres su madre se traslada a la aldea de la Quebrada de san José a unos 5 kilómetros de la Grita... ahí bajo la crianza de la abuela Pureza aprendió a dibujar con los tizones del fogón... cualquier soporte, pared eran ideales para hacer cualquier garabato en el año 89 su madre decide trasladarse a la ciudad de Valencia donde el encierro opaca su adolescencia para el año 2002 ingresa a la escuela de artes puros Arturo Michelena donde bajo los profesores Alfredo Gómez, Víctor julio Gonzales, Luis noguera. Le imparten el conocimiento sobre dibujo. Jorge Rodríguez, waleska Pons, Octavio Russo, le impartieron pintura. Marta Iribarren, Carlos Ochoa, Héctor Alvarado, Reinaldo Pérez Só, historia del arte. Barbará Correa, Escultura. Marta Iribarren, Cerámica. Eva Rodríguez, xilografía, grabado, serigrafía. Geczain Tovar, Fotografía.

Currículo de Exposiciones

Exposiciones colectivas

II salón exposición Universidad de Carabobo año 2006.

Exposición semana de artista plástico escuela de Artes Arturo Michelena 2006.

Exposición final Aciertos año 2006.

1er salón de Artes visuales Demetrio Silva, Cojedes 2006.

VII Salón Anual Enriqueta Salazar año 2002.

1ra exposición Casa de la cultura en Naguanagua año 2005.

VIII Salón de Enriqueta Salazar año 2005.

1ER salón de Artes Plásticas Federico Núñez Corona año 2005.

Exposición de fin de curso año 2005.

Exposición de fin de curso año 2001.

Reconocimientos

Concurso de pintura rápida en la semana del artista plástico Armando Reverón 2005

Concurso de pintura, en la semana del artista plástico, escuela de artes Arturo Michelena 2005.

Concurso de pintura colectiva en la semana del artista plástico, escuela de artes Arturo Michelena 2005.

Menciones

Mención en la actividad de pintura rápida en la semana del artista Plástico 2005.

Mención en la actividad de pintura rápida en la semana del artista plástico 2006.

Ver las pinturas de Ana Yudith Hernandez

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